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Coronas funerarias: la mejor forma de despedir a un ser querido

Las coronas funerarias son uno de los arreglos florales más utilizados en los momentos de duelo, en que requieren de respeto hacia la memoria del difunto. Conoce más acerca de esta forma de despedir al ser querido y mostrar tus condolencias hacia los familiares y amigos cercanos.

El origen de las coronas funerarias se remonta a diversas regiones y civilizaciones del mundo. Los egipcios confeccionaban las coronas de flores para personas de clase media baja; en el cristianismo, se incluían las hojas verdes como simbolismo de la presencia de Cristo; y en la civilización Maya, las flores representaban la purificación del alma para guiarlas por el buen camino.

Sin importar sus orígenes, el uso de las coronas de flores en tanatorios y servicios funerarios siguió hasta nuestros días como una de las mejores formas de despedir a un ser querido, variando de tamaño o composición floral pero siempre manteniendo la esencia de sensibilización y respeto hacia la memoria del difunto.

Composición y significado de las coronas de flores

arte floral

El arte floral funerario es una especialización que consiste en la elaboración de arreglos florales para los momentos de duelo. Las más conocidas son las coronas funerarias, las cuales se conforman generalmente por una circunferencia, donde los floristas proceden a colocar de una a tres combinaciones de diversos tipos de flores con algún detalle como hojas o espigas.

Algunas combinaciones presentan una apariencia simple, pero también están las más elaboradas donde, además de rodear el montaje circular con las flores, también arman un ramo floral que sobresale del círculo. Las flores más utilizadas para armar una corona funeraria son las rosas, las margaritas, los claveles, las liliums y las alelíes. En algunas ocasiones, muchos optan por añadir detalles de girasoles, espigas y hojas de camelias, aunque esto depende de la estación porque muchas especies de flores sólo pueden ser cultivadas en determinadas épocas del año.

En cuanto a su simbolismo, la forma circular representa la inexistencia del principio y final, de forma tal para recordarnos la eternidad de las almas y el retorno al Dios creador, desde el punto de vista religioso. Esto también convierte la entrega de la corona funeraria en la mejor forma de despedir a un ser querido, demostrando respeto y condolencia hacia su eterna memoria. Algunos diseños de coronas pueden llegar a incluir algún objeto representativo, reforzando el recuerdo del difunto quien, en vida, habrá sido un excelente profesional en su área.

Cómo decorar el árbol de Navidad

El árbol de Navidad se ha convertido en el símbolo navideño por excelencia. En países nórdicos adoptan la costumbre de llevarse el árbol de pino más grande que encuentren para celebrar las fiestas. Aunque, actualmente, también se comercializan los árboles de navidad artificiales y armables, de diferentes tamaños y colores.

Sin embargo, existen una serie de consejos y guías para decorar el árbol de navidad, así como cuál sería el tamaño de árbol a escoger de acuerdo al espacio o ambiente y qué otros detalles se deben tener en cuenta para que el proceso de decoración sea un éxito. Por lo cual, en el presente artículo, se tratará de cómo decorar el árbol de Navidad para disfrutar de unas buenas fiestas en familia.

Presta atención al tamaño del árbol y el espacio a ser colocado

árbol navidad

Muchas personas le dan demasiada importancia al tamaño del árbol. Entre más grande, mejor. Pero esto se convierte en un inconveniente cuando vives en un espacio pequeño o cuentas con mascotas que pueden arruinar el árbol. Lo ideal sería un árbol de tamaño mediano, que no toque el techo ni tampoco abarque gran parte de la sala. Y en lo posible, que se sitúe en la esquina, lejos de cualquier objeto delicado o pasillo para no obstaculizar el paso.

Usa adornos que combinen: el clásico rojo, blanco y dorado

decorar árbol de navidad

Los colores clásicos de la Navidad son el rojo y verde. El árbol de Navidad puede llevar toda clase de adornos: globitos, angelitos, guirnaldas, estrellitas y angelitos son los más clásicos. Por lo general los venden en tonalidades rojas, verdes, blancas y doradas. Sin embargo, también se pueden encontrar colores azules y plateados. Pero, en lo personal, esos colores no combinarían para nada con el estilo navideño. En todo caso, los colores y diseños de adornos para el árbol de Navidad deben ofrecer una armonía y equilibrio visual.

¡Cuidado con las mascotas!

adorno árbol de navidad

Dicen que la curiosidad mata al gato. En este caso, la curiosidad mata al árbol de Navidad. Si tienes mascotas, debes ser consciente de que a ellos les llamará la atención el árbol de Navidad. Un objeto poco usual en la casa, con muchos objetos brillantes y de gran altura. Es claro que terminarán por arruinar aquello que te costó armar. No tienes otra opción más que vigilar a tus mascotas o impedir que ingresen al lugar donde colocaste el árbol. De esta forma evitarás dos accidentes: que tu mascota se lastime y que tu árbol de Navidad se arruine.

Asesora a tus hijos para adornar el árbol de Navidad

Adornar árbol de Navidad

No hay nada como armar el árbol de Navidad en familia. Para los niños, este evento es único y especial. Así que aprovecha para mostrarles los adornos navideños, cómo colocarlos con cuidado en las ramitas del árbol y explicarles la importancia de cuidar el árbol y los adornos para volver a utilizarlos en la siguiente navidad.

Adornar el árbol de Navidad es una actividad que se debe realizar en familia. Tómate tu tiempo para pasarla con tus hijos, colaborar con los adornos y celebrar juntos unas fantásticas fiestas navideñas.

Cómo analizar una obra de arte

Para analizar una obra, lo primero que hay que hacer es describirla. ¿Qué es lo primero que ves? Aquí lo importante es lo que logras identificar a primera vista, sin realizar ninguna interpretación o análisis de ningún tipo. Solo es descripción.

Después de la descripción viene la identificación. ¿Qué obra estás viendo? ¿Una pintura? ¿Escultura? ¿Fotografía? Después fíjate si tiene algún título, así como el autor de la obra y dónde se localiza actualmente, si está en un museo, o en una colección privada. Y lo más importante, el año de creación.

Una vez realizada la descripción y la identificación de la obra, podemos comenzar con el análisis temático. ¿Hay un tema en específico en la obra? ¿Cuál sería su función? ¿Y cuál es la simbología que maneja la obra?

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Del análisis temático pasamos al análisis formal. Aquí estudiamos cada elemento que se encuentra en la obra, así como su distribución por el espacio, los colores utlizados, las formas, la organización y los materiales utilizados para su creación.

Otro tipo de análisis que también se puede hacer es el estilístico. Aquí se identifica el estilo de la obra, si es clasicista, flamenca, surrealista, etc. También se identifica al autor, las características de la obra que identifican el estilo, cuáles serían sus precedentes en la historia del arte, cuál es su aportación al arte en su época y cuáles serían las influencias proyectadas en la historia del arte.

Existen diversos tipos de análisis de obras de arte, dependiendo de sus características. A continuación les presentaré un video que explica sobre las diversas metodologías del análisis de obras de arte. El video le pertenece a la Universidad Politécnica de Valencia y su autor es Santiago Martín de Madrid.

Observación: Este texto pertenece al curso “Introducción al lenguaje visual” que se encuentra disponible en la plataforma Aula Fácil.

Cómo hacer bolsos de cuero paso a paso

Si te gustan las manualidades y quieres aprender a confeccionar tus propios accesorios para lucirlo con tus amigos, te explicaremos cómo hacer bolsos de cuero paso a paso para que puedas usarlo en tu jornada diaria y, de paso, ahorrarte unos pesitos en adquirir un bolso comercial.

Descarga moldes para bolsos y carteras de cuero

Existen ciertos moldes que se utilizan para hacer bolsos y carteras de cuero que puedes conseguir por internet. Dichos moldes tienen en cuenta tamaño, grosor, compartimientos y capacidad de peso. También incluye los centímetros de los bordes donde se procede a unir las piezas para crear los bolsos de cuero.

Y si no trabajas con moldes, utiliza una tabla de cuadrículas junto a reglas y escuadras. De esta forma realizarás cortes de líneas rectas y apoyarás la cuchilla de forma segura.

Los márgenes de errores suelen ser mínimos. Sin embargo, lo que debes saber acerca de cómo hacer bolsos de cuero es que requieren de tiempo y concentración. Un mal corte o rasguño puede significar la pérdida de la pieza.

Aprende de modelado de restos, grabado y otros diseños

Además del corte y unión de las piezas, también puedes realizar modelados de los restos, grabado y otros procedimientos de decoración. De esta forma crearas bolsos llamativos, acordes a tu personalidad.

Si quieres saber cómo hacer bolsos de cuero con diseños, puedes aprovechar el resto sobrante del cuero para cortar delicadas figuras y, de esta forma, proceder al modelado.

Además del modelado, también puedes aprender a realizar grabados. Así crearas bolsos y carteras de cuero con un estilo discreto pero distinguido, ideales para la oficina.

Conoce las técnicas de unión de piezas

¿Cómo hacer bolsos de cuero perfectos, que no se despeguen con el constante uso? Es lo que muchos se preguntan. Para garantizar la calidad del bolso, procede a unir las piezas cosiéndolas con máquinas especializadas.

Un bolso enteramente artesanal tiene costura cosida. Si se utiliza solo el pegamento, corren el riesgo de que se despeguen por el calor o constante uso.

Coloca hebillas y cierres

Cremalleras, botones imantados y cierres a presión son los materiales que se utilizan para añadir a los bolsos de cuero. De esta forma también te enfocarás en la seguridad de los objetos que se guarden en el interior del bolso.

Añádele hebillas y otros accesorios para los bolsos cuyas correas se pueden sacar. Y si es un modelo con correa fija, procede a coserla y añadirle algún botón plateado como decorado.

Si quieres una demostración gráfica de cómo confeccionar un bolso de cuero artesanal, te recomiendo el siguiente video.

Si te interesa conocer más manualidades o DYIs de decoración, te recomiendo la lectura de los siguientes artículos publicados en este sitio web.

Cómo pintar con acuarela y sal

20 ideas brillantes de decoración

Algunas ideas para lograr una casa perfecta

 

¿Es Duchamp un fraude? La verdad tras el icónico urinario de Marcel Duchamp

Por décadas los cursos, seminarios, escuelas, academias e institutos de arte han enseñado que, con la exhibición del urinario, Marcel Duchamp replanteó el concepto clásico que se tenía del arte en su época, fundó los cimientos del arte contemporáneo y generó un nuevo movimiento artístico conocido como “Arte Conceptual”.

Sin embargo, estudios recientes han apuntado que el icónico urinario de Marcel Duchamp fue ideado por otra persona. Para eso, se basaron en unos testimonios que aseguran que el artista no reclamó la autoría de la obra hasta 1938, cuando André Bretón le atribuyó como autor original del urinario.

Urinario Duchamp
Fotografía original del urinario de Duchamp

Otra pista es que, en las fotografías originales, el urinario ha sido firmado con las siglas R. Mutt, añadiéndole el año 1917 por debajo. Algunos escépticos sostienen que Duchamp, por miedo a represalias, utilizó un seudónimo para identificar la obra. Otros le atribuyeron al nombre del fabricante del objeto (El cual sería J. L. Mott Iron Works). Pero recientemente se encontró una carta que Duchamp le escribió a su hermana, en la misma fecha, el cual aseguraba que una amiga suya usó un seudónimo masculino para presentar el urinario como una escultura moderna. Además de que otras investigaciones aseguran que el fabricante nunca diseñó ni comercializó dicho modelo de urinario en esa época.

Pero entonces: ¿Quién podría ser el autor original?

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Según algunos investigadores, todo apunta a que el autor original se trata de una mujer. Más específicamente sería la baronesa Elsa von Fraytang Loringhoven, quien era una amiga íntima de Duchamp. El mismo año que Duchamp presentó su supuesta obra, Fraytang Loringhoven presentó una obra similar titulada “Dios, una pieza de plomería de hierro fundido” cuya réplica se encuentra actualmente en el Museo de Filadelfia. Puede que la pieza de plomería y el urinario formen parte de un díptico, aunque eso nunca se sabrá.

Otra pista que encontraron los investigadores se encuentra en la misma firma del urinario original. Después de realizar un estudio de caligrafía, comprobaron que la misma era similar a la letra de la baronesa. Aparte de que se presume que el término “Mutt” significa, en realidad, “madre” en alemán, lo cual se podría referir a la mamá de la autora original, quien falleció de cáncer uterino y utilizó el urinario como una metonimia del útero de su madre.

Las investigaciones aún siguen en pie y conforme se encuentren nuevas pistas, se podrá comprobar que dicha obra pertenece realmente a la baronesa, lo cual significaría una reescritura completa de los libros de historia del arte contemporáneo.

Fuentes

https://www.latercera.com/la-tercera-pm/noticia/urinario-duchamp-realidad-obra-una-mujer/692733/

https://pijamasurf.com/2019/06/la_estafa_del_arte_moderno_duchamp_robo_a_esta_mujer_la_obra_que_lo_hizo_famoso/

La hipermodernidad y el capitalismo artístico

La hipermodernidad es el nuevo sistema en el que estamos ingresando y que se carateriza por el fin de las ideologías adversas revolucionarias que han marcado la modernidad.

La modernidad abre el camino a tres grandes sistemas: el mercado, la democracia y la tecnociencia. Pero estos tres sistemas tenían sus enemigos radicales: contra el mercado estaban los marxistas; contra la democracia estaba la nostalgia del antiguo régimen o los anarquistas y el nacionalsocialismo; y después la tecnociencia, incluso hoy en día, con los ecologistas quienes ven los riesgos y peligro de todo ello.

A partir de los años 70 u 80, los opositores a estos tres sistemas han perdido mucha credibilidad y entonces, de un solo golpe, la hipermodernidad se convirtió en la radicalización de la modernidad.

El arte al servicio del mercado

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Si simplificamos las cosas, podemos decir que en la Edad Media, por ejemplo, el arte dependía de la iglesia. En el Renacimiento el arte dependía de los príncipes y de la corte real.

A partir de los siglos XVIII y XIX, se llega a algo denominado la autonomía del arte. Es decir, un mercado del arte que se libera tanto de los límites de la iglesia y de los que pagaban por ella por encargo.

Entonces, en la Modernidad, el mundo del arte y el mundo de la economía parecen, como lo ha mencionado Bourdieu, un mundo a la inversa. El mundo del arte resulta una economía a la inversa porque no se encuentra dirigido, el arte no es gobernado por un objetivo económico.

Desde hace unos años, el sistema no cesa en su amplificación y radicalización. Los artistas actuales son convocados por las grandes marcas.

Andy Warhol, el visionario

El mercado del arte se ha expandido enormemente y los artistas más celebres se han convertido en una especie de hombres de negocios.

Eso confirma la profecía de Andy Warhol, quien comprendió muy rápidamente cuando dijo la famosa frase: “Yo soy un artista del negocio”. Es una revolución total que ocasionó un cambio en el mundo del arte porque los mismos artistas reinvindicaban el negocio.

El mercado nos ofrece felicidad al adquirir productos nuevos

El mercado nos ofrece novedades permanentemente. En los años 50, el teléfono era el aparato negro que se cuidaba en la familia. Nadie deseaba otro teléfono. Se lo usaba y no había más problemas.

Pero cuando el mercado se amplía y lanza nuevos teléfonos, se empieza a preferir lo nuevo sobre lo antiguo. Es el mercado que suscita la permanencia de la novedad.

El mercado usa más la innovación tecnológica. Pero frecuentemente no son tales, sino innovaciones de color, de forma, de diseño y de moda.

El arte ya no busca cambiar a la sociedad

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Photo by Oleg Magni on Pexels.com

Con las vanguardia representadas con Kandinsky, Mondrian tiene la ambición de revelar la verdad de lo invisible. Lo que ha cambiado es que en el arte contemporáneo ya no se ve esa finalidad.

Los artistas pueden hacer cosas más o menos buenas o malas pero ya no tienen una referencia universal que legitime sus obras.

Aunque les duela a los artistas, es el modelo de la moda lo que ha triunfado. Actualmente lo que da fundamento al arte, lo que lo legitima, es el entretenimiento.

Fuente: transcripción de la entrevista a Gilles Lipovetsky realizado por Noticias 22 y publicado en Youtube.

Aprende a combatir la procrastinación con el Pomodoro

La procrastinación es uno de los males que aquejan a trabajadores freelance, autónomos, artistas y creativos en general.

Y es que, ante la lista de tareas pendientes por hacer, existen ciertas actividades placenteras que solo contribuirán a posponer cualquier proyecto o trabajo para última hora.

La procrastinación puede arruinarte un negocio. O incluso hacer que pierdas clientes.

Por este motivo, les invito a visualizar el siguiente video donde te explicaré cómo combatir la procrastinación con la técnica del Pomodoro.

También te recomiendo la lectura del siguiente artículo, donde brindo información completa sobre la procrastinación y cómo combatirla de una vez.

Cómo combatir la procrastinación y algunas actividades que puedes realizar cuando no te viene la inspiración

Analizando la obra “El nacimiento de Venus” de Sandro Boticelli

Como todo amante del arte, de seguro conoces la obra “El nacimiento de Venus” de Sandro Boticelli. Si te ha fascinado el cuadro y quieres saber los secretos que oculta, te invito a leer este artículo donde estaré analizando esa magnífica obra.

El nacimiento de Venus – Sandro Boticelli

El análisis que voy a realizar es el iconográfico, porque la obra contiene diversos elementos que tienen algún significado. A continuación, te invito a que leas el análisis de la obra “El nacimiento de Venus” de Sandro Boticelli desde la iconografía.

Nivel preiconográfico

En primer lugar se pueden distinguir tres figuras principales. La figura central está conformada por la diosa Venus, recién nacida. A su derecha están Céfiro y Cloris, quienes la trasladan del mar a la tierra. Y a su izquierda está Primavera, quien la recibe desde la tierra con un manto para cubrir su cuerpo desnudo.

Las flechas rojas indican otros elementos primordiales de la obra, como las ondas del mar, la tierra firme, la concha donde está parada Venus, las flores y el manto.

Nivel iconográfico

En esta segunda parte del análisis nos enfocamos en lo que sería el contexto que refleja el cuadro. En la mitología la diosa Venus o Afrodita nació de la espuma del mar, representando así la diosa del amor y la belleza.

También se observa cómo Céfiro y Cloris la trasladan del mar a la tierra, acompañados de unas flores que representan la encarnación de la belleza. Y, por último, está la Primavera, quien recibe a la diosa recién nacida al mundo de los humanos. De esta forma también se representa el inicio de la primavera en el mundo.

Nivel iconológico

La figura de Venus representa el cánon de la belleza femenina. En cuanto a Céfiro y Cloris, al estar tan pegados entre sí, reflejan la unión de la materia con el espíritu. La concha, donde está parada la diosa, representa la fertilidad. Y la Primavera representa el mundo terrenal y el renacer de una nueva vida.

En resumen, lo que quiso decirnos Boticelli con esta obra es que Venus vino al mundo a traer amor y belleza. Los que aman la belleza persiguen valores que son elevados e incluso celestiales. En la teología romana Venus es el principio de rendimiento, esencial para el equilibrio en la vida.

A continuación, te recomiendo un video donde explico con detalle qué es el análisis iconográfico.

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¿Qué es el Hamparte? Una nueva definición sobre el conocido “Arte Contemporáneo”

Hace algunos años, un doctor en Bellas Artes llamado Antonio García Villarán, comenzó a subir videos a Youtube hablando sobre el Hamparte.

¿Qué es el Hamparte? Pues bien, en palabras de Antonio García, el Hamparte es el arte de no tener talento. Es decir, todas las obras que se realizan sin ningún esfuerzo o técnica aplicada (ya sea el ready made, fluxus o arte conceptual) es considerado Hamparte.

Durante toda mi carrera de Licenciatura en Artes, tanto mis compañeros y yo hemos debatido bastante sobre el Arte Conceptual. Algunos, incluso, se cayeron de espaldas al ver que una taza de toilet tenía el mismo valor que el retrato de la Monalisa. En ese entonces nadie, ni siquiera los profesores, teníamos claro cuál era el concepto de arte.

Incluso durante mi intercambio estudiantil en Brasil me encontré con ese problema. No importa cuántos libros leyera, ni a cuantos docentes extranjeros conociera. Ninguno tenía bien en claro qué objetos u obras podrían ser realmente considerados arte.

Pasó el tiempo, me volví profesora auxiliar de una cátedra llamada Arte Latinoamericano Contemporáneo... y ni aún así tenía bien en claro de qué trataba.

Hasta que apareció este señor y solucionó el problema con una sola palabra: “Hamparte”.

En su manifiesto explica claramente cuándo considerar que una obra de arte en realidad es Hamparte. Esto, por supuesto, ha causado algunas controversias entre los que amamos todo tipo de arte, generando un grupo de haters que cuestionan sus ideas e, incluso, lo tildan de un youtuber más que dice cosas “sin fundamentos”.

Pero, ¿Qué más necesita fundamentar? Él se ha tomado la molestia de hablar sobre arte, ser un youtuber artista que, por primera vez y sin miedo, se atrevió a cuestionar el rumbo que va tomando el arte actual y lo demuestra con sus años de estudio y formación docente.

Igualmente, debo admitir que, en un principio, me encontraba con una cierta disputa. Por un lado tengo mi investigación, el cual decidí convertirlo en un curso online para probar la diferencialidad de interpretaciones y análisis por medio de la subjetividad de obras.

Por otro, me encuentro con este doctor en artes, quien logró definir gran parte de lo que conforma el arte contemporáneo en un término que, aparentemente, soluciona todo el problema que llevamos arrastrando por años: ¿Qué dem**** es arte?

Hasta que, al final, decidí proseguir con mi investigación sin problemas. Una definición más, una definición menos, no alteraría mi rumbo. ¿No?

Pienso que las interpretaciones de obras pueden darse de igual forma, sean arte o hamparte. Además ya se han creado varios manifiestos en el pasado. ¿Acaso no podemos crear uno nuevo?

Igualmente, pienso que el término se puede seguir desarrollando, generar debates y llevarlo hasta las diferentes instituciones. Ya me gustaría ver que en mi ex cátedra comiencen a analizar el término y generar una discusión en el aula. Aunque creo que eso tomará su tiempo.

Mientras, les invito a que lean el manifiesto que Antonio García subió en su sitio web oficial. Actualmente también ha escrito un libro, el cual se puede comprar en Amazon y está disponible tanto en Kindle como en formato físico.

Cómo pintar con acuarela y sal

Si te gustan las pinturas pero deseas salir de lo convencional, no hay nada como pintar con acuarela y sal.

Así es. La sal se puede usar para algo más que condimentar tus alimentos. En este caso, lo utilizamos para crear un efecto muy interesante con la acuarela.

A continuación, te explicaré cómo pintar con acuarela y sal para lograr unos cuadros excepcionales.

Materiales: Acuarelas, pincel redondo, sal y un vaso con agua

Primeros pasos

1- Busca un papel grueso o papel acuarela para aplicar la técnica

2- Procede a humedecer el papel, pasándole un pincel grueso.

3- Utiliza uno o dos colores de acuarela sobre el papel húmedo. También puedes agregar una combinación de tres o más colores a gusto.

Es hora de la “magia”

1- Antes de que se seque, esparce la sal por toda la hoja. Permítete realizar las distribuciones que deseas, puede que en algunos extremos derrames más cantidad de sal que en otros.

2- Espera a que se seque. La sal absorverá parte del agua, lo cual provoca que se formen pequeños charquitos alrededor de los granos.

3- Una vez seco, sacude el papel y retira la sal de su superficie.

Resultado final

Al final quedará como un efecto de “burbujas”, formadas gracias a la sal. De esta forma conseguirás que tus pinturas tengan una textura única y original.

A continuación, te presentaré un video demostrativo, donde verás cómo he aplicado esta técnica para darle un efecto especial a un dibujo que hice con superfino.